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　　佳士得倫敦將于10月4及5日“Frieze藝術周”期間舉行戰(zhàn)后及當代藝術拍賣。拍賣前，焦點拍品預展將會巡展至洛杉磯、香港、米蘭、紐約、馬德里、都靈、日內(nèi)瓦和羅馬。精品薈萃的香港預展已于在佳士得香港藝廊揭幕，并將持續(xù)至本周五（9月7日）。

　　此次預展匯聚10月倫敦戰(zhàn)后及當代藝術日間、晚間拍賣以及“意大利思潮”（Thinking Italian）晚間拍賣的多件精彩作品，包括來自兩位知名英國當代大師弗朗西斯·培根（Francis Bacon）和盧西安·弗洛伊德（Lucian Freud）的杰出作品，以及一件由私人藏家收藏30年、首度公開展覽的格哈德·李希特（Gerhard Richter）骷髏畫作中的代表作。此外，還有來自讓·米歇爾·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）、喬治·康多（George Condo）、尚·杜布菲（Jean Dubuffet）和魯齊奧·封塔納（Lucio Fontana）的精彩作品。

　　佳士得熱切期待閣下蒞臨參觀此次預展。我們請專家從眾多拍品中挑選出數(shù)件精彩大師杰作，與您共賞。

　　精選拍品

　　格哈德·李希特（1932年生）

　　《骷髏》

　　油彩 畫布

　　80.4 x 65 cm.

　　1983年作

　　估價待詢

　　“這些題材令我著迷，卻不至于讓人過于沉溺其中。我覺得很安心，因為這些題材充滿藝術史意味，我不用再說是為了自己而畫。這些題材以獨特的構圖、失焦的效果和完美無瑕的造型呈現(xiàn)出來。而當它被如此美麗地描繪時，恐懼也就消失得無影無蹤?！?

　　—格哈德·李希特

　　格哈德·李希特（Gerhard Richter）的畫作《骷髏》（Sch?del），是1983年經(jīng)典骷髏系列中流露哀傷情感的杰作，由一位藏家私人收藏30年，期間從未公開展覽。作品呈現(xiàn)沐浴在溫暖柔和光線里的短暫之美，不僅是系列的首幅作品，更是按照同一張照片創(chuàng)作的兩件畫作中的大幅作品。

　　骷髏畫作系列是李希特最感性、技巧最細膩的作品，系列中的部份作品藏于法國羅什舒阿爾的當代藝術博物館（Musée départemental d’art contemporain, Rochechouart）和圣艾蒂安大都會現(xiàn)代藝術博物館（Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne Métropole），另有兩件長期借予德國的博物館展出。此畫是他以照片作畫時期的巔峰之作，同期作品還有著名的《蠟燭》（Kerzen ）系列。作品充分展現(xiàn)他運用顏料的圓熟技巧，而在他的其他作品中，這種技巧漸漸被他在自由抽象風格方面的實質(zhì)初期成就取代。畫中出色的漸變色彩為構圖賦予明暗對照效果，呼應古典大師建立的靜物畫傳統(tǒng)“memento mori”意即“記住死亡是必然的”。同時，輪廓與陰影的巧妙暈染，模仿相機模糊效果所制造的失真性，將李希特于1960年代“照片繪畫”中初嘗的錯視畫法演繹得淋漓盡致。一段段的光與影，加上作品的連續(xù)柔焦光譜，使得畫作主題幾近模糊難辨，畫面游走于對焦與失焦之間，呈現(xiàn)出來的三維空間，亦似稍縱即逝的瞬間。近20年來，李希特的各類作品在“繪畫性抽象”與“寫實再現(xiàn)”兩者之間一直在進行激烈對話，而此作則透過充滿歷史性、符號學及形而上學的意象，將兩種對立風格融為相互呼應的一體。

　　“這些私密畫面中的搖曳燈光，成為一種富有意思的干預與介入；傳統(tǒng)靜物畫常帶有的象征‘memento mori’亦即‘記住死亡是必然的’的意味，提醒觀賞者生命短暫，萬物總有終結(jié)之時。根據(jù)李希特表示，這些畫作中發(fā)光、閃耀的明亮色彩以及柔和的氛圍，得以掩飾他對死亡的真切恐懼。”

　　—迪特馬爾·埃爾加

　　尚·杜布菲 (1901–1985)

　　《花園里的女士》

　　油彩 畫布 拼貼 裱于畫布

　　148 x 120 cm.

　　1956年作

　　估價：英鎊 2,500,000 - 3,500,000

　　《花園里的女士》（Madame Au Jardin）從1980年代起便由同一位收藏家收藏，曾于1993年華盛頓赫希洪博物館和雕塑園（Hirshhorn Museum & Sculpture Garden）的大型杜布菲回顧展中展出。

　　這幅奪目的大型畫作來自藝術家著名的集合藝術系列，作于1956年，當時尚·杜布菲（Jean Dubuffet）已從巴黎移居旺斯的鄉(xiāng)村一年，作品見證他探索人類與大自然的“原生藝術”（Art Brut）的巔峰時期。畫中的女子全身像高逾一米，由淡紫色和淺綠色畫布拼貼而成，站在一堆密集的泥土和葉子之間。畫面滿布不規(guī)則的布片，展現(xiàn)豐富多彩的紫色和赤褐色。這些區(qū)塊以類似掐絲琺瑯的粗線條分隔，帶有類似青苔或地衣的斑點，形成緊密的鵝卵石或石墻磚塊的效果。構圖上方三分之一的部份有更多青綠色調(diào)，代表花園里的植物；交錯的亮綠色和黃色，代表色彩斑駁的葉子和粗糙的樹皮；女子頭部四周的花朵燦爛盛放，猶如燦爛的星星。

　　《花園里的女士》具有閃亮的馬賽克風格質(zhì)感和色彩，完美展現(xiàn)了杜布菲的創(chuàng)新“集合”（assemblage）技巧。作品結(jié)合多塊經(jīng)裁剪和拼貼的涂色畫布，并以類似彩繪玻璃的方式鑲嵌。這種手法由杜布菲于1953年在沙艾約勒創(chuàng)作的作品演變而成，當時他以相近的方式運用蝴蝶的翅膀。與同期的其他集合藝術作品一樣，杜布菲在《花園里的女士》里運用獨有的創(chuàng)新技巧，向四周的自然美景致敬。布塊參考天然的地貌和色調(diào)，交織出豐富而迷人的畫面。

　　喬治·康多（1957年生）

　　《貴婦》

　　壓克力 碳筆 蠟筆 紙本拼貼 畫布

　　183 x 147 cm.

　　2009年作

　　估價：英鎊 1,500,000 - 2,000,000

　　喬治·康多（George Condo）從歷史先例和自己的想象力中取材，創(chuàng)作出這件大型畫作《貴婦》（Noble Woman）。畫中的人物十分美麗，又隱約透現(xiàn)一絲驚悚感覺，營造出一種迷人而親切的幻象。藝術家在血紅色壓克力和灰綠色斑點的背景上，以碳筆繪出兩個復雜的人物。左方較大的側(cè)身女人高傲而優(yōu)雅，鼓起的臉頰帶有卡通風格，還擁有兩個丑陋的下頜；她被另一張臉覆蓋，兩張臉共用一只眼睛，揭示彼此間的聯(lián)系。而右方的半裸女人半身像，臉上也覆蓋著同樣破碎的男人頭部，從他粗糙的頭發(fā)和領結(jié)可以判斷他是康多作品里的常見人物羅德里戈（Rodrigo）。畫家在兩個人像的上方（即畫布的頂部）再以碳筆繪畫出幾個傾斜的圖形。

　　作品作于2009年，是康多“素描油畫”（Drawing Paintings）的代表作，他從2008年開始采用這種天馬行空的形式?？刀嗤ㄟ^這些畫作，把兩種藝術范疇融入單一作品里，打破了傳統(tǒng)的規(guī)范。除了運用顏料和碳筆，康多也會使用白色蠟筆刻劃出一些或優(yōu)雅或怪異的特征，前者包括女人的亮麗秀發(fā)和珍珠項鏈，后者則是羅德里戈圓滾的鼻子和不整齊的牙齒。這些點綴模仿光線在肉體上形成的效果，又使人像看似離開畫作的平面，隱約地出現(xiàn)于觀眾眼前的立體空間。

　　讓·米歇爾·巴斯奎特（1960-1988）

　　《無題》

　　壓克力 油彩 油畫棒 水墨 蠟筆 紙本拼貼 金屬

　　91.4 x 105.4 cm.

　　1980-81年作

　　估價：英鎊 1,000,000 - 1,500,000

　　作于1980-81年的《無題》（Untitled）是讓·米歇爾·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）的一件經(jīng)典力作，不僅見證了他從一位涂鴉藝術家變成國際巨星的重要時刻，亦充分展現(xiàn)了他在視覺、言語和素材運用方面的才華。作品最初由Diego Cortez收藏逾35年——他是1981年2月在P.S.1舉辦的創(chuàng)意立新的“New York/New Wave”展覽的策展人，這場展覽令當時只有20歲的讓·米歇爾·巴斯奎特一舉成名。讓·米歇爾·巴斯奎特在一片方形廢金屬片上繪畫，加上紙碎拼貼，彰顯街頭藝術的創(chuàng)意，因而引起Cortez的注意。作品背景涂上金色，為廢物元素增添拜占庭的華麗風格。中央是一團黑色，右方則是不平整的一片淺藍色。

　　他的經(jīng)典皇冠圖案置于中央，旁邊是同樣經(jīng)典的棒球圖案和簡單的人臉。左方有一個屋形的輪廓，里面畫上一個”S”字，呼應他之前作為涂鴉藝術家時的稱號SAMO©。畫作滿布不同的神秘符號，包括令人費解的名字或自創(chuàng)詞“ASPURIA”，這個詞曾在同時期的其他作品里出現(xiàn)，另外還有一個中央寫上看似“6”字的菱形圖案。讓·米歇爾·巴斯奎特從筆記本撕下紙張，像現(xiàn)代廣告一樣貼在畫上，然后繪畫更多互相呼應的符號，包括第二個皇冠、許多汽車，以及呼應第四大道備用輪胎店標志的輻條式車輪。作品還有一個商品清單(“玉米、油、鋼、豬”)，以及名字”AARON”，意指棒球手Hank Aaron，左下角的頭像可能就是代表他。文字、圖畫和符號的奇特組合，是巴斯奇亞作品的一大特色。他從大量視覺和文學資料中取材，覆蓋、混合各種圖像和聲音?！稛o題》采用多層的原始材料，進一步反映出藝術家從城市街頭走進畫廊的重要轉(zhuǎn)變。

　　盧西安·弗洛伊德（1922–2011）

　　《弗朗西斯·培根》

　　鉛筆 蠟筆紙本

　　54.7 x 43 cm.

　　1951年作

　　估價：英鎊 500,000 - 700,000

　　盧西安·弗洛伊德（1922–2011）

　　《弗朗西斯·培根》

　　鉛筆 蠟筆紙本

　　54.7 x 43 cm.

　　1951年作

　　估價：英鎊 500,000 - 700,000

　　盧西安·弗洛伊德（Lucian Freud）為弗朗西斯·培根（Francis Bacon）所描繪的細膩碳筆和鉛筆習作，手法精準、線條仔細，是這兩位二十世紀藝術名家之間親密關系的最好例證。作品于1950年代由知名愛爾蘭收藏家兼文化贊助人加奇·布朗（Garech Browne）直接購自藝術家，直至2011年才首度公開展出。布朗是培根和弗洛伊德的好友兼支持者，也是弗洛伊德第二任妻子卡洛琳·布萊克伍德（Caroline Blackwood）女士的表兄弟。

　　兩幅作品均于1951年創(chuàng)作，來自弗洛伊德首次繪畫培根的三幅習作，是二人為對方繪畫杰出肖像畫的草稿。就像巴布羅·畢加索（Pablo Picasso）與亨利·馬蒂斯（Henri Matisse）之間的角力，或是提香（Titian）與丁托列托（Tintoretto）之間的競爭一樣，培根與弗洛伊德的激烈對話不但改寫了藝術歷史的進程，也改變了戰(zhàn)后時期具象畫的傳統(tǒng)。畫作捕捉了培根自然流露出的不羈個性，畫中的他沒有扣好褲襠和襯衣，雙眼低垂，臀部放松，并露出胸膛。畫作也展示弗洛伊德是一位細心的繪圖師和敏銳的觀察者，他不但能真切地畫出培根的樣子，也能捕捉他自信賣弄的姿態(tài)背后所隱藏的一絲軟弱。這兩幅畫作跟同系列的另一幅作品不同，弗洛伊德筆下的培根占據(jù)整個畫面，身體伸延至紙張的邊緣。雖然他運用細致輕巧的筆觸，但線條卻自信有力，以一貫的簡潔方式生動勾勒出人物的輪廓。

　　弗朗西斯·培根（1909–1992）

　　《移動中的人物》

　　油彩 干筆移印字母 畫布

　　197.7 x 148 cm.

　　1972年作

　　估價待詢

　　弗朗西斯·培根的《移動中的人物》（Figure in Movement）由Magnus Konow珍藏41年。通過作品，培根深刻地思考著人生的稍縱即逝，并交織了他對繆絲兼愛人喬治·戴爾（George Dyer）的復雜記憶。作品于1972年完成，是一組重要系列作品中的一件——該系列包括他在戴爾逝世后一年所作的《黑色三聯(lián)作》（black triptychs）?！兑苿又械娜宋铩愤\用洋溢激情的厚涂顏料，形成厚實的點彩質(zhì)感，在留白的抽象空間里，有一個近乎雕塑般的人物。巨大的黑影包圍他的身體，而一抹鮮艷的綠色則圍繞他的側(cè)面。在培根于巴黎大皇宮舉行大型回顧展前不久，戴爾自殺身亡。在他逝世后的數(shù)十年，酷似他的人物相較以往更經(jīng)常地現(xiàn)身于培根的畫中之中。

　　培根通過《移動中的人物》向米開朗基羅（Michelangelo）和邁布里奇（Muybridge）致敬，透過戴爾鮮明的五官表達出人生苦短。畫里的報紙反映了培根早已開始運用Letraset印字創(chuàng)作，同時提醒世人勿忘自己終有一死。畫中人扭曲的形態(tài)看似即將消逝于虛無之中，他把報紙緊貼面部，彷佛想拼命地留在當下。他身旁的地上滿是零碎的文字，令人想起畢加索的立體拼貼畫，也像一本被丟棄小說的碎頁。對于醉心鉆研文學和神話的培根而言，戴爾之死就像他所欣賞的經(jīng)典悲劇一樣，沉重而深刻。在幾何形的深淵前，畫中人處于一個過渡的狀態(tài)：他由物質(zhì)的現(xiàn)實世界，漸漸地走向由回憶和傳說組成的虛構領域。

　　魯齊奧·封塔納（1899-1968）

　　《空間概念，期望》

　　水性顏料 畫布

　　73.5 x 60 cm.

　　1965年作

　　估價：英鎊 2,000,000 - 3,000,000

　　《空間概念，期望》（Concetto spaziale, Attese）是意大利前衛(wèi)藝術家魯齊奧·封塔納（Lucio Fontana）作于1965年的單色割痕（monochrometagli）作品，見證了這位多產(chǎn)藝術家事業(yè)的巔峰時期。四條優(yōu)雅的割痕劃破了純凈無瑕的白色畫布，展現(xiàn)出一種充滿節(jié)奏感的和諧效果。隨著刀鋒劃破畫布，每道割痕也跟隨著畫家手部自然規(guī)律地擺動。

　　明亮的白色表面與神秘黑暗的虛無空間形成強烈的對比，該作是封塔納于1947年掀起的空間主義運動的完美呈現(xiàn)。他通過充滿戲劇感的切割動作，打開畫布的二維平面，結(jié)合切口四周的空間，展露出背后無邊無際的黑暗虛無，亦即神秘莫測的四維空間?！犊臻g概念，期望》的概念充滿啟示性，效果洋溢詩意，卻永遠凝住割破畫布的一瞬間，也體現(xiàn)了封塔納一直以來對形態(tài)和概念的探索。

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